Wie die Apple TV+-Serie sie zum Fliegen brachte

Da es nur noch wenige originale B-17 gibt, war der Einsatz echter Flugzeuge keine Option. „Es gibt nur noch wenige, die noch fliegen können, und niemand wollte uns mit ihnen spielen lassen, weil sie zu wertvoll sind“, sagte Orloff. „Also haben wir drei Nachbildungen in Originalgröße für das Äußere gebaut. Einer von ihnen könnte rollen, [none] könnte fliegen. Und dann haben wir zwei Rümpfe für den Innenraum, das Cockpit und all das gebaut. Und wir haben ein unglaubliches Team für visuelle Effekte. Orloff lobt Stephen Rosenbaum, den Leiter der visuellen Effekte, für die Schaffung einer Umgebung, die ebenso spezifisch wie episch ist und gleichzeitig einen strengen Ansatz zur historischen Authentizität beibehält.

„Ich wollte das Ausmaß der Luftkriegsführung zeigen“, sagte Orloff, und das Großartige an „Masters of the Air“ ist, dass es den Zuschauer gleichzeitig in das Cockpit entführt. Und zeigt das gewaltige Ausmaß dessen, was draußen passiert. Laut Orloff stand Rosenbaum vor der zusätzlichen Herausforderung, eine Show zu schaffen, die Liebhaber des Zweiten Weltkriegs zufriedenstellen würde, die jedes Detail untersuchen würden. „Stephen hat den ersten ‚Avatar‘ gemacht, und dabei wird niemand sagen: ‚Hey, weißt du, der Flügel des Drachen sieht nicht gut aus‘, denn das ist alles Fantasie. Alles hier muss so spielen und dreidimensional erscheinen, dass wir es als real erkennen.

Rosenbaum begann seine Recherche mit Millers Buch und versuchte, Wege zu finden, um historisch und technisch korrekt zu bleiben und gleichzeitig den dynamischen Produktionswert zu bieten, den die Geschichte erforderte. Der erste Schritt waren Storyboards, aber von da an ging Rosenbaum schnell zur Vorvisualisierung über. „Wir haben eine Vorschau aller Missionsaufnahmen gemacht und diese dann an die verschiedenen Abteilungen verteilt“, sagte Rosenbaum. „Dann setzten wir uns zusammen und hielten Produktionsbesprechungen ab, um herauszufinden, wer was machte, wobei wir im Grunde die Arbeitslast auf Stunts, Make-up, Spezialeffekte usw. aufteilten. Storyboards können Ihnen nur eine begrenzte Menge erzählen. Die Handlung läuft so schnell ab, dass es sehr hilfreich war, diese vorherige Visualisierung zu haben, um die Choreografie wirklich zu verstehen.

Auch die Vorschau wurde zu einem wesentlichen Bestandteil der Produktion, als Filmemacher die Lautstärke für Flugsequenzen nutzten. Im Wesentlichen eine riesige hufeisenförmige Wand aus LED-Fernsehbildschirmen, die ebenfalls von einer Abdeckung aus LED-Bildschirmen umgeben ist. Das Volumen schafft eine immersive, dreidimensionale Welt, in der die Schauspieler umgeben und sogar beleuchtet werden können. Für „Masters of the Air“ wurde die Vorvisualisierung auf das Volumen projiziert, sodass die Schauspieler auf die Handlung reagieren konnten, die in der Postproduktion in einer höher aufgelösten Version nachgebildet wurde. „Der große Vorteil war die Augenpartie“, sagte Rosenbaum. „Die Schauspieler konnten erkennen, wie eine Fw 190 auf sie zukam und davonraste, und das Timing ist perfekt, weil wir alle Flugzeuge mit der richtigen Geschwindigkeit und in die richtige Position bringen. »

Inside the Volume über die Entstehung von „Masters of the Air“Mit freundlicher Genehmigung von Apple

Auch für Filmemacher hatte der Band Vorteile. „Wenn es vor dem Fenster eine große Explosion gäbe, könnte der Kameramann das Licht so einstellen, dass es auf die Wand trifft, und man würde dieses Licht auf den Gesichtern der Schauspieler sehen“, sagte Rosenbaum. Für die Außenaufnahmen entschied sich Rosenbaum für einen praktischen Ansatz, um die Realität der epischen Schlachten zu vermitteln. „Viel zu oft werden bei visuellen Effekten diese magischen Kameras eingesetzt, die eher der Beobachtung dienen“, sagte Rosenbaum. „Sie sind mehr Zeuge der Erfahrung als Teil davon.“ Ich denke, die Kameras am Boden zu lassen ist eine sehr effektive Technik, um bei den Charakteren präsent zu sein. Ob wir uns im Flugzeug befinden, an dem Flugzeug befestigt sind oder in einem angrenzenden Flugzeug das Geschehen beobachten, wir platzieren die Kamera immer in einer physikalisch plausiblen Position.

Realismus war auch ein Leitprinzip für das Tonteam. „Ich denke, Authentizität war das erste Wort, das den Produzenten aus dem Mund kam“, sagte Michael Winkler, Mischer für die Neuaufnahme, gegenüber IndieWire. „Authentizität und Heldentum. » Wie Rosenbaum durchsuchte das Tonteam zunächst Millers Buch nach nützlichen Details und ging dann darüber hinaus, um weitere Nachforschungen anzustellen. „Wir haben mit den Militärberatern gesprochen und Hunderte von Fragen gestellt“, sagte der leitende Tonredakteur Jack Whittaker. „Fragen zu Flugzeugtypen, Schaltertypen, wie sie über Funkgeräte und Gegensprechanlagen miteinander sprachen – bis hin zu der Sprache, die sie sprachen, denn das würden wir für die Loop-Gruppe verwenden.“ »

„Luftbändiger“

Von dort aus machte sich das Team daran, B-17 und andere authentische Materialien aufzunehmen, die mit Designelementen überlagert werden mussten, um das notwendige Gleichgewicht zwischen Kraft und Zerbrechlichkeit zu schaffen, das die Flugzeuge auszeichnete. „Wir betrachteten sie als zerbrechliche Tiere“, sagte Whittaker. „In gewisser Weise waren sie beim Beschuss ziemlich empfindlich, aber die Motoren waren wie diese unglaublich dröhnenden Muscle-Cars. Wir haben wirklich mit den Motoren begonnen, um das Drama zu vermitteln. Der Schlüssel bestand darin, nachzuahmen, was die Piloten in der Hitze des Gefechts gehört hätten. „Man ist fast immer bei der Crew, deshalb haben wir immer versucht, die Stücke aus ihrer Sicht zu schaffen. »

Manchmal war das Entfernen von Geräuschen die Lösung. „Wir haben uns auf den Kontrast verlassen, indem wir die Dinge weggenommen und gezeigt haben, wie verletzlich diese Jungs waren“, sagte der Neuaufnahme-Mixer Duncan McRae. „Sie hatten nicht viel Schutz, also haben wir, um wirklich zu spüren, was sie fühlten, die Elemente freigelegt, als sie angegriffen wurden. » Minkler fügte hinzu, dass Angst das Hauptgefühl sei, das im Laufe der Serie auf unterschiedliche Weise vermittelt werden müsse. „Wie fühlt sich jemand an, wenn er weiß, dass er jeden Moment sterben könnte?“ Was wollen wir spielen? Manchmal sind es das Knirschen, das Atmen, die Schritte. Manchmal ist es ein Dialog. Wir wechseln ständig hin und her, machen Szenen mit heftiger Musik oder ohne Musik. Laut Minkler entwickelte sich der Prozess der Entscheidung, wann Musik, Soundeffekte oder Dialoge eine Emotion am besten ausdrücken würden, ständig weiter und war das Ergebnis der Zusammenarbeit aller, von Orloff und den Produzenten bis hin zum Komponisten und Apple. „Gott sei Dank waren alle offen für Veränderungen. »

Die Tatsache, dass die Serie fast zehn Stunden lang war, machte sie zu einer noch größeren Herausforderung für das Tonteam, da sie verhindern mussten, dass die Show klanglich eintönig wird. „Jede der Kampfsequenzen unterscheidet sich in Bezug auf Kontext, Story und visuelle Effekte, und deshalb müssen wir versuchen, sie auch anders zu gestalten“, sagte Minkler. Für alle Beteiligten war der epische Charakter der Show ebenso anstrengend wie lohnend. „Ich denke, fast jeder in dieser Show würde sagen: ‚Ja, das war der härteste Job, den ich je hatte‘“, sagte Orloff. „Und ich hoffe, es ist eines der lohnendsten.“ »